Influencias

Este apartado está orientado a colgar obras de artistas emergentes y consagrados (vivos y enterrados) que supusieron, y suponen aún hoy, un referente para mi obra creativa.

Richard Avedon: (Nueva York, 1923) Fotógrafo estadounidense de tradición publicitaria. En uno de sus últimos trabajos con mayor interés, encontramos unos inmensos retratos en los que mantienen la escala humana presentando a personajes reales encontrados en sus viajes por el sur de EEUU. La obra de este fotógrafo nos habla directamente del paso del tiempo y su influencia en el ser humano, y, cómo no, del camino hacia la muerte. Retratos descontextualizados que aparecen ante la cámara sin maquillaje, fatigados o tristes, tal y como se encontraban en ese momento. Fotografías directas sin artificios en blanco y negro que nos dan un trozo de realidad, aunque una realidad compleja dada la selección subjetiva del artista.

 

Esta obra de Antony Crossfield titulada “Dave 360º.Este Londinense de 39 estudió en la Universidad de Westminster. Sus fotografías han aparecido en libros y revistas de arte como HotShoe, The Sunday Times Magazine, NYArts Magazine, Art.Es, Photo District News, Eyemazing, British Journal of Photography y Creative Review, entre otras. Su obra se caracteriza por la composición de nuevas realidades fotográficas con un resultado de impactantes imágenes a modo de metáforas.

 

 

 

Henrik Aarrestad Uldalen es un jovencísimo artista noruego. Su producción creativa gira en torno a la pintura figurativa clásica. Sus lienzos presentan personajes en el limbo bajo un ambiente que a menudo refleja un estado de ensueño. Su fuente de inspiración son los artistas académicos del siglo XIX. Obsesionado por la técnica no pretende sin embargo el fotorealismo al que nos tienen tan acostumbrados. Una mirada particular y un enfoque, aunque poco creativo, que nos descubre un pedazo de realidad muy atrayente.

 

henrik aarrestad uldalen arte contemporaneo artista noruego

 

Oleg Dou (Rusia 1983). Como si se trata de seres de porcelana desprovistos de vida, cada uno de los retratos de este maestro del retoque digital evidencia un hermetismo que obliga al espectador a mirar más allá de la piel suavemente pulida de sus modelos. En el trabajo de Dou nada es al azar; desde la selección de sus retratados hasta el más mínimo detalle, este amante del minimalismo nipón sabe cómo generar atmósferas de alta tensión visual. Es así como se ha abocado a la tarea de elegir a sus modelos mediante un selecto casting para después de cada sesión fotográfica retocar las imágenes hasta lograr convertir al humano en un ser andrógeno.Oleg Dou artista ruso arte contemporáneo

 

Una obra impactante tanto para los que la conocen como para los que no es esta obra del Ingles Marc Quinn con la que logró llamar la atención del publico más especializado. La obra se llama “yo, la cabeza sangrante” y se trata de una escultura de su cabeza a modo de autorretrato realizada con 4,5 litros  de sangre que se extrajo a lo largo de 5 meses que posteriormente congeló.

 

Jeff Wall: Este fotógrafo Canadiense logró consagrar la fotografía como una disciplina artística contemporánea dejando de lado las connotaciones tradicionalistas que relegaban a ésta a seguir siendo un medio al servicio del arte o simplemente documentativo. De tradición cineasta escenifica y crea sus propias fotografías con resultados precisos y abiertos a la interpretación. “Transparency in lightbox”

 

Richard Stipl: Este Checoslovaco graduado en Canadá pronto llamó la atención de las galerías y las ferias de arte más relevantes de Nueva York. Con una orientación claramente pictórica terminó por experimentar con la escultura con grandes obras como esta “you Fucker” donde experimenta con su propio rostro las expresiones más íntimas.

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Este escultor japonés llamado Yoshimasa Tsuchiya trabaja la madera para crear sencillas figuras con un aire místico. Sus figuras están realizadas con hinoki (ciprés japonés) policromado. Muy interesado por la mitología popular comenta que “La mitología es una serie de historias alegóricas que se refieren al origen de un grupo de personas”. La plasticidad de las figuras, la sencillez de las formas y la pulcritud de su elaboración dan como resultado un lenguaje sensible que sin embargo captan la atención de todo tipo de publico.

yoshimasa tsuchiya escultor japones arte cpontemporaneo

Bernardí Roig: Artista mallorquín realiza esculturas, dibujos, textos, fotografías y videos que merodean la cuestión de la mirada y el deseo. Considera el hecho simbólico de la mirada como la garantía absoluta de las situaciones. Su obra más potente son unas esculturas de figuras humanas en un realismo crudo pintadas de blanco. La relación entre sus piezas la establece el que mira, el que con su mirada se inserta y se desplaza convirtiendo al espectador en una pieza más. Juega con la luz y la absoluta ausencia del croma para destacar la plenitud de la imagen.

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Lucian Freud es considerado uno de los máximos representantes de la corriente figurativa británica de la segunda mitad del siglo XX que ha dado en llamarse la Escuela de Londres. En sus retratos, centrados principalmente en las personas de su entorno próximo, Freud consigue desvelar la vulnerabilidad del cuerpo humano a través de la carnalidad matérica que rezuman sus obras. Hijo de un arquitecto y nieto del creador del psicoanálisis, Sigmund Freud, Lucian Freud pasó su infancia en Berlín. Su formación en el clima intelectual existencialista de la Europa de entreguerras le llevó a utilizar su pintura como instrumento de reflexión sobre la enajenación del hombre contemporáneo.

lucien freud woman with arm tattoo 1996 artist

 

Antonio López: es quizá un referente para una absoluta mayoría de personas interesadas en el realismo. Sus obras plasmadas en los libros de texto de mi joven infancia escolar atraían mi atención de una forma mágica. Este cuadro “lavabo y espejo” trata de forma magistral la ausencia y la cotidianidad.

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Enrique Marty: Su obra camina por derroteros complejos y en ella mezcla la escultura y el vídeo con los óleos, a modo de retablo barroco. Entre su obra más destacable podemos encontrar unas esculturas de un realismo expresionista sobrecogedor en la que las deformaciones aparecen como desbordándose de la piel. La distorsión de la escala, una policromía muy verosímil y partes aglomeradas de realidad (pelo humano, pestañas y ropa) favorecen el resultado sobrecogedor de unas esculturas que rozan lo repulsivo.

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Ruth Gómez: Artista vallisoletana posee un particular y reconocible universo artístico conformado mayoritariamente por la videocreación Apoyado en un contemporáneo lenguaje que aúna vídeo de animación, música y dibujo digital influenciada por el diseño grafico y la viñeta cómica. Por medio de personajes virtuales fabrica realidades que sirven como hilo conductor que plantea preguntas y persigue respuestas acerca de la naturaleza del ser humano, como persona y como animal social. En palabras de la artista, “remite al lado más primitivo del individuo, a su instinto de supervivencia, a la relegación de los principios éticos frente al otro, a quien, sin embargo y pese a todo, estamos (por razones emocionales, afectivas o que simplemente se escapan a nuestro entendimiento) condenados a necesitar”. El dinamismo de los planos, un personal uso del color y el ritmo interior de un montaje subordinado a la banda sonora musical (que maneja de forma excepcional) dan como resultado unas atractivas y llamativas imágenes.

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Jenny Saville: Esta inglesa parece continuar la tradicional forma de pintar de Froid pero con una excepcional contemporaneidad. Enormes cuadros de mujeres desnudas muy obesas en posturas sensuales, y también en circunstancias grotescas. Sus pinturas se perciben como montañas de carne que se revelan, pero es en la realidad la neurosis lo que estalla en ese interior. Para lograr sus objetivos, esta arista británica asistió a varias sesiones de operaciones de cirugía plástica y liposucciones para observar de primera mano la flacidez y la materia de la que estamos todos forrados. La maestría en la ejecución de sus encuadres, composiciones y modelos retratados es asombrosa. Las fuertes imágenes de Saville se consiguen por medio de gruesas pinceladas, un soberbio manejo del color, y un dramatismo que colinda con los territorios del morbo y la sensualidad. Existe una evidente obsesión de su parte por resaltar lo grotesco que llega a ser el cuerpo en determinadas circunstancias, sus colosales figuras acaparan la mirada por su elocuencia plástica y su potencia artística.

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Tony Ousler: (Nueva York, 1957) Artista y performer propone al espectador una serie de esculturas vivas por medio de la agrupación de disciplinas tan aparentemente discordantes como escultura y video. Principalmente conocido por unas piezas orgánicas tridimensionales de mediano tamaño realizadas en resina blanca a las que proyecta ojos y bocas con un colorido distorsionado de la realidad. Sus piezas constituyen un lenguaje particular por medio de composiciones con las grabaciones de rostros de personas del entorno para conjugar una nueva realidad formal.

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Ángeles Agrela: Esta artista multidisciplinar trata de componer una realidad por medio de personajes inventados. Sus coloridos y divertidos dibujos de gran tamaño sobre papel muestran un interés por las actividades que requieren una disciplina y una dedicación voluntariamente elegidas. Asciende a calidad de superhéroes a tales personajes que tienen sin embargo una esencia muy humana y particular. Una obra afable que muestra el dinamismo y la forma de vida de algunos grupos sociales.

 

 

El escultor italiano Gehard Demetz (1972) se ha transformado en un artista esencial gracias a su increíble talento como tallador de madera tradicional desarrollando además temáticas intrigantes sumamente atractivas para los espectadores contemporáneos. Lejos de presentar una talla sumamente manipulada y tratada nos deja ver las entrañas de su trabajo, mostrando sin miedo los ensamblajes, encolados, las huellas de los contundentes golpes de la gubia y las terminaciones más pulcras para las zonas de mayor sensibilidad. Quizá sea esta la diferencia que da credibilidad a su trabajo.

GEHARD DEMETZ escultor contemporaneo influencia artistica

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Egon Schiele: Contemporáneo y alumno de Gustav Klimt es uno de los mayores representantes del expresionismo Austriaco. Junto a los retratos de amigos y los propios autorretratos, representará el desnudo a través de una agresiva distorsión figurativa. Su forma de vida choca  con el de habitantes, y el máximo escándalo se produce en el 1912 cuando es acusado por corrupción de menores por la edad de su joven amante, modelo principal de sus cuadros. Quedó arrestado y preso durante unos años. Su estilo se define por una temática que asume una altísima tensión emotiva en la sensualidad que se vuelve obsesión erótica, junto al tema de la soledad angustiosa. Schiele utiliza una línea cortante e incisiva para exprimir su propia realidad y para mostrar impetuosamente la dramática destrucción física y moral del ser humano. El color adquiere un valor autónomo, no naturalístico, resultando particularmente eficaz en sus muchas acuarelas y en sus diseños. El espacio se convierte en una suerte de vacío que representa la trágica dimensión existencial del hombre, en continuo conflicto entre la vida y la muerte y sobre todo la incertidumbre.

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Como no hablar de Chuck Close (Monroe, EE.UU., 1940). En 1973 su obra se expuso por primera vez en el MOMA de Nueva York. Close realiza gigantescos retratos que, vistos desde cierta distancia, poseen una gran veracidad fotográfica. De cerca, estos cuadros se llenan de innumerables marcas, resultantes de un proceso aparentemente abstracto ya que sus inicios los formó en el expresionismo abstracto de la época. En  la fotografía aparece un joven artista frente a una de sus más conocidas pinturas. Lo sorprendente es que más tarde quedó postrado en una silla de ruedas, lo que no dificultó que continuara realizando esos gigantescos retratos por medio de un mecanismo de elevación fijado a la pared que le permitía desplazar el cuadro.

Chuck Close artista estadounidense, retrato de gran tamaño

 

Edvard Munch: Pintor y grabador noruego de la corriente expresionista. Tuvo una infancia muy difícil, ya que su madre y su hermana murieron de tuberculosis cuando él era muy joven, y su padre era un hombre dominado por obsesiones de tipo religioso. De todo ello surgió una personalidad conflictiva y un tanto desequilibrada, que él mismo consideraba la base de su genio. Sus evocativas obras sobre la angustia influyeron profundamente en el expresionismo alemán de comienzos del siglo XX. El pintor decía de sí mismo que, del mismo modo que Leonardo da Vinci había estudiado la anatomía humana y diseccionado cuerpos, él intentaba diseccionar almas. Por ello, los temas más frecuentes en su obra fueron los relacionados con los sentimientos y las tragedias humanas, como la soledad, la angustia, la muerte o el erotismo. No tardó en crear un estilo sumamente personal, basado en acentuar la fuerza expresiva de la línea, reducir las formas a su expresión más esquemática y hacer un uso simbólico, no naturalista, del color, y de ahí su clasificación como pintor simbolista. Refleja la enfermedad, la muerte y la obsesión religiosa que llenaron su infancia y su juventud como la gran mayoría de sus obras;  “no pinto lo que veo sino lo que vi.”

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Pablo Alonso: artista Gijonés, trata asuntos de actualidad mediática y trascendencia política, y practica un tipo de pintura mestiza, contaminada de fotorealismo por medio de la sintetización lineal y el claroscuro difuminado de aerógrafo. Usa formatos de grandes dimensiones llegando hasta lienzos de casi 10 metros de ancho por algo más de 2 de alto. Se caracteriza por representar dibujos con líneas de rotulador; con ambigüedad espacial y con aspecto de apariciones, inserta en el cuadro figuras extraídas de los medios de comunicación y trasladadas al lienzo con un extraordinario dominio de la aerografía y siempre en blanco y negro, emulando las fotografías de prensa. Original y oportunista se apodera de imágenes para construir sus realidades. Con una resolución impecable es capaz de producir imágenes potentes que, en su disposición longitudinal, componen un crítico friso de la barbarie humana.

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Sergio Prego: Manteniéndose fiel a la tradición minimalista, crea obras que no sólo expanden el concepto de escultura, sino que además, retan las convenciones que rigen la relación entre espacio y tiempo. En su caso, la tecnología siempre es ideada y controlada por el propio artista y siempre es puesta al servicio del concepto, de la creación de una nueva perspectiva, pero que nada tiene que ver con la “realidad virtual”. Sus obras presentan elementos que nos remiten a la ciencia ficción, pero la fascinación que producen en el espectador no se debe a efectos especiales, sino a que nos incita a ver, imaginar y experimentar modos distintos de habitar el espacio. Algunas de sus obras consisten en la transformación del propio espacio expositivo donde aparece suspendido de cuerdas moviéndose por el suelo, las paredes y el techo de espacio convertido en la propia obra.

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Choi Xooang es un artista cuyas esculturas hechas a partir de plastilina de polímero representan su preocupación por el aparente estado patológico de las sociedades en las que actualmente vivimos. La organicidad que genera la manipulación con los dedos de dicho material dan como resultado unas delicadas esculturas sin las típicas aristas del tallado o la fundición. Reside en Seúl, Xooang intenta dirigir la atención internacional hacia los abusos de derechos humanos por medio de sus obras, las cuales presentan macabras figuras de “personas” incapaces de ver o hablar.

Choi Xooang artista contemporanea Seul

 

Gregory Creuson: (Nueva York, 1962) De tradición cineasta, crea enormes escenografías con decorados hollywoodienses con un despliegue técnico y económico a veces desorbitado. Su medio es la fotografía, con una comprensión de la misma al estilo clásico pero entendiendo aquello que desea trasmitir de una forma absolutamente contemporánea. Sus fotografías de gran formato presentan realidades complejas hechas al antojo del artista, donde la ausencia por medio de lo lleno, captura al personaje modificando las realidades cotidianas en sustitución de otras nuevas. Su obra destaca por la complejidad técnica, el despliegue de medios y el realismo táctico.

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Santiago Ydañez: (Jaén, 1969) Pintor conocido por sus autorretratos de gran tamaño. Utiliza el claroscuro con una pincelada gruesa y sintética que modula los enormes rostros de mirada penetrante. Las propias imperfecciones y chorreones conforman el lenguaje plástico del artista que sin embargo logra un realismo contundente y delirante. El colosalismo de la figura por medio de la visión macroscópica del autorretrato hace aún más provocativa la imagen resultante.

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Abigail Lazkoz: Su obra reflexiona, mediante una estructura dibujística próxima al mundo de la viñeta gráfica, sobre la realidad política, social o los roles de género, planteando en el propio espectador cuestiones que han de ser desveladas yendo más allá de lo que el dibujo, aparentemente sencillo, ofrece en un primer golpe de vista. De ahí que los títulos de la mayoría de sus trabajos son  normalmente frases que clarifican parte del significado. Tras la sencillez del trazo y la monumentalidad de sus dibujos murales se esconde una profunda reflexión sobre el mundo en que vivimos. Incluso las cuestiones políticas y de género han sido, la mayoría de las veces, partes fundamentales desarrolladas en los trabajos de este artista.

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